Классика в джазе и джаз в классике
Не признать, не полюбить искусство Валерия Гроховского невозможно. Приезжая к нам на фестиваль «Белые ночи Карелии» и между фестивальными событиями, он неизменно радует новыми программами, знакомит с коллегами по цеху и доставляет радость общения.
Гроховский не отделен от слушателей непреодолимой преградой: в недолгих паузах между исполнением он что-то поясняет, шутит, делая это легко и непринужденно, создавая дополнительно атмосферу искреннего доброжелательства. Поэтому, если кто-то и приходит на концерт без соответствующего настроения, уходит несомненно вдохновленным.
28 апреля Большой зал консерватории пригласил на программу под названием «Классика в джазе и джаз в классике». Валерий Гроховский на сей раз возглавил джазовое трио в ансамбле с Александром Ивановым – ударные и Владимиром Кольцовым-Крутовым – контрабас.
Встреча джаза с классикой произошла давно: уже в 20-е годы минувшего столетия мастера джаза стали использовать классические мелодии в качестве исходной темы для импровизации или обрабатывать в джазовой манере популярные классические произведения. Напомню о первом художественном руководителе и главном дирижере нашего симфонического оркестра Леопольде Теплицком. В 1926 году он был отправлен в США, где и познакомился с джазовой культурой и буквально заболел джазом. Вернувшись в Ленинград, Теплицкий создал джаз, прозванный «профессорским», поскольку главными участниками его стали преподаватели консерватории он недолго, но это был убедительный прецедент. Теперь имя Теплицкого носит джазовый фестиваль, созданный и регулярно проходящий в столице Карелии.
Валерий Гроховский – выдающийся джазмен, но начинал он как академический пианист. В 1989 году участвовал в Международном конкурсе имени Ф. Бузони в Италии и завоевал призовое место. В студенческие годы увлекся джазом, изучая его теорию и практику, но с серьезной музыкой не расставался. Более того, в 1991 году он был приглашен на педагогическую работу в США, откуда вернулся на родину только через десять лет. С тех пор его исполнительская деятельность идет по двум колеям и параллельно, и пересекаясь, и сливаясь.
В концерте на фестивале «Белые ночи Карелии» Гроховский вместе с коллегами представил и чисто джазовую классику, и джазовые обработки произведений Баха, Моцарта и Мендельсона. Что касается первой названной части программы, то при определенной характерности исполняемых джазовых композиций, присущей стилю, в манере Гроховского есть особые индивидуальные качества, которые делают его искусством с «лица не общим выраженьем». Это не лирика как всеопределяющее достоинство его мироощущения, но неповторимые поэтичность, мягкость и теплота. Думается, этим определяется и его выбор классических сочинений для перевода их в джазовую стихию, хотя возможны и другие варианты, в частности, музыка, требующая виртуозной интерпретации. Эта сторона исполнительства Гроховского поистине безупречна. И еще одна непременная составляющая искусства пианиста – безукоризненный вкус. Не любое произведение можно переводить на другой язык так, чтобы за новыми ритмами оно не потеряло главного. В этом и необходимы вкус и чувство меры, что было продемонстрировано в полной мере.
Очень удачно в новом облике прозвучал «Свадебный марш» Мендельсона. Наверное, из тем этого композитора многие подходят для переселения в джаз. Совершенно органично соединился с новыми ритмами и фа минорный (№ 5) фортепианный концерт Иоганна Себестьяна Баха, причем, все три его части! Это было удивительно и замечательно. Ну что ж, джаз давно облюбовал наследие этого композитора, из того, что приходится иногда слышать, альянс, как правило, складывается успешно. Это и понятно, ведь Бах для музыкантов – «наше всё», музыка на все времена. Казалось бы и Моцарт не менее податлив к встречам с джазом, но, видимо, в его кажущейся есть какие-то непреодолимые препятствия. Разумеется, не всегда, но предложенная соната Си-бемоль мажор получилась менее интересной. Поскольку джаз являет собой искусство импровизации, конкретные исполнения разнятся, а значит, возможны и другие варианты. К тому же восприятие каждого из нас достаточно субъективно.
У Гроховского всегда отличные партнеры. Они составляют не только высококлассный ансамбль, но и неоднократно демонстрируют в своих соло виртуозное мастерство. Какую блестящую сольную каденцию на ударной установке присоединил к Моцарту Александр Иванов! Контрабас не обладает эффектностью ударных, но Владимир Кольцов-Крутов доказал, что у этого инструмента есть особые выразительные средства, присущие только струнной смычковой группе, почему контрабас и незаменим в таком ансамбле. Не акцентируя на себе внимания, он создает атмосферу особого шарма звучания.
Группа Гроховского доставила большое удовольствие слушателям, их реакция на исполнение, как и полагается в концертах этого жанра, была естественно спонтанной и искренней.
Увертюра «Эгмонт»
Музыка к трагедии Гёте «Эгмонт» была закончена Бетховеном два года спустя после создания пятой симфонии, в 1810 году. Увертюра — первый из девяти номеров этой музыки. Трагедия привлекла Бетховена своим героическим содержанием. События «Эгмонта» относятся к XVI веку, когда народ Нидерландов восстал против своих поработителей — испанцев. Борьбу народа возглавил граф Эгмонт, смелый и мужественный человек. Эгмонт гибнет, но народ завершает начатое им дело. Восстание закончилось победой в 1576 году. А в 1609 году было заключено перемирие, по которому Испания признала независимость части Нидерландов.
Увертюра «Эгмонт» — произведение одночастное. Если в пятой симфонии «события» развертывались на протяжении четырех частей, то в увертюре Бетховен сумел показать основные моменты развития трагедии в сжатой форме. О программном замысле симфонии мы могли лишь догадываться — в «Эгмонте» оно определено содержанием произведения Гёте.
Увертюра начинается медленным вступлением . Как и в «Патетической сонате» , здесь даны две резко контрастные темы. Первая из них, аккордовая, звучит торжественно, властно. Низкий регистр, минорный лад придают ей мрачную, зловещую окраску. В оркестре ее исполняют струнные инструменты. Медленный темп, характерный ритм темы напоминают величавую поступь сарабанды.
Вторую тему «запевает» гобой, к которому присоединяются другие деревянные духовые инструменты, а затем и струнные. В основе мелодии лежит очень выразительная секундовая интонация, которая придает ей скорбный характер. Тема воспринимается как жалоба.
Зная содержание трагедии Гёте, можно с определенностью говорить о воплощении здесь образов двух враждебных сил: угнетателей-испанцев и страдающего под их властью нидерландского народа. Борьба этих сил составляет основу трагедии Гёте, развитие соответствующих музыкальных тем является содержанием увертюры.
Как обычно, увертюра написана в форме сонатного аллегро. Главная партия имеет волевой, героический характер. Она изложена в фа миноре. Сила и энергия ее постепенно возрастают. Вначале она звучит в нижнем регистре у виолончелей и других струнных инструментов piano, затем подхватывается всем оркестром fortissimo.
Ход на секунду в начале мелодии раскрывает родство главной партии со второй темой вступления — темой «страданий» народа. Ее героический характер говорит уже не о покорности, а о возмущении нидерландцев и восстании их против поработителей.
Побочная партия также тесно связана с музыкой вступления, она совмещает в себе черты обеих его тем. В первой фразе — аккордовой, тяжеловесной — без труда можно узнать тему «поработителей» . Изложенная в мажоре, она звучит теперь не только торжественно, но и победно. И здесь эта тема поручена струнным инструментам. Тихое звучание деревянных духовых инструментов во второй фразе роднит побочную партию со второй темой вступления. Мужественная и решительная заключительная партия завершает экспозицию.
Разработка очень невелика. В ней как бы продолжается сопоставление контрастных тем вступления, «борьба» обостряется. На робкие каждый раз следует неумолимый и жестокий «ответ» . Многократное повторение мелодии начала главной партии каждый раз завершается двумя отрывистыми и резкими аккордами.
Но «борьба» на этом не заканчивается. В конце репризы она разгорается с еще большей силой. Тема «испанских поработителей» звучит здесь особенно непреклонно и яростно, и еще более жалобно и умоляюще — тема народа. Неравный поединок внезапно обрывается. Реприза заканчивается рядом выдержанных, тихо и печально звучащих аккордов. Бетховен хотел, очевидно, передать здесь последнюю жестокую схватку народа с врагом и гибель героя, Эгмонта.
Увертюра заканчивается большой кодой, в которой показан итог борьбы. Ее торжественный и ликующий характер говорит о победе народа.
Начало коды напоминает гул приближающейся толпы, который быстро нарастает и выливается в поступь грандиозного массового шествия.
Родина гитары неизвестна. Предполагают, что возникла она в Древней Греции, но вторую родину обрела в Испании, где уже в VIII - IX веках получила широчайшее распространение.
И через несколько веков гитара - неотъемлемая часть быта испанцев. Без нее просто нельзя представить себе испанскую жизнь. Помните стихотворение Пушкина?
Я здесь, Инезилья,
Я здесь, под окном,
Объята Севилья
И мраком и сном.
Исполнен отвагой,
Окутан плащом,
С гитарой и шпагой
Я здесь под окном.
Именно так и было: с гитарой и шпагой! Потому что серенада, спетая кавалером у балкона дамы сердца, нередко заканчивалась дуэлью с соперником или разгневанным мужем красавицы.
Из Испании гитара распространилась по всей Европе. Ее полюбили в Италии и Германии, Франции и России.. . Потом она переплыла океан и оказалась в Америке.
Гитара - струнный щипковый инструмент. По форме она напоминает струнные смычковые, но отличается от них количеством струн и игры. Гитары бывают шести- и семиструнные. Семиструнная гитара, наиболее удобная для вокального аккомпанемента, получила наибольшее распространение в России. В Испании была распространена шестиструнная гитара. Она же стала и сольным инструментом. Многие крупные композиторы превосходно владели гитарой и с удовольствием писали для нее.
Еще одна разновидность этого инструмента - гавайская гитара. Она имеет шесть струн, под которыми натянута кожа. Играют на ней специальной пластинкой - плектром. В отличие от звонкого тембра других гитар, у гавайской мягкий, тянущийся, чуть гнусавый звук.
История гитары знает многих крупных исполнителей-виртуозов: испанцев Агуада, Таррега, итальянца Джулиани, русских Соколовского, Макарова, Иванова-Крамского. Очень любил гитару гениальный итальянский скрипач Паганини. Он великолепно играл на ней, писал произведения для гитары и для гитары со скрипкой, с удовольствием выступал в концертах как гитарист.
Прекрасно играл на гитаре замечательный испанский поэт, певец свободной Испании Ф. Гарсиа Лорка. Среди его друзей были выдающиеся гитаристы Андрес Сеговия, Анхель Барронос, Режино Сайнс де ла Маса. Много чудесных строк посвятил Гарсиа Лорка музыке, гитаре.